La mia prima volta con l’Andrea Chénier fu un inciampo.
Non avvenne in un teatro né davanti alla TV.
Accadde al Cicolella, terza fila dall’alto, durante un film con Tom Hanks.
Primo piano sul volto del protagonista, consumato dalla malattia e dal tormento di un epilogo ormai prossimo e senza appello.
Poi, d’improvviso, la voce della Callas, lacerante e luminosa, e l’aria più famosa dell’Andrea Chénier – “La mamma morta” – a raccontare ciò che le parole, da sole, non sanno spiegare: lo spazio bianco alla fine del viaggio in cui il dolore individuale si fa esperienza universale nella ricerca di un senso alla vita. E la sofferenza diventa bellezza e la fragilità si fa dignità mentre l’ultimo acuto, il più intenso, chiude la scena, rivelando al mondo la missione più alta del melodramma: raccontare l’essere umano e la forza salvifica dell’Amore, che si fa fiamma nell’ora più buia.
Ci sono opere che appartengono al teatro, altre alla storia.
E poi ce ne sono alcune che sembrano far parte della coscienza stessa degli uomini, in quel modo peculiare e ancestrale che solo l’Arte, quando è slancio vitale.
L’Andrea Chénier è una di queste, e per questo fu amore al primo ascolto.
Come certe poesie di Neruda.
Come il sospiro della risacca che si perde nel mare.
Con questo stesso incanto, sfidando gli anni e il ricordo, l’emozione della prima volta mi ha di nuovo attraversato, nel cuore di Foggia, stavolta, dove l’opera più celebre di Giordano è tornata a vivere sotto le stelle della sua terra, in un caldo sabato sera d’inizio estate.
La sua trama, strutturata in quattro atti, è nota: nella temperie dei primi anni della Rivoluzione francese, i più sanguinosi, Carlo Gèrard – maggiorente giacobino, che da domestico di una famiglia nobile diventa capo rivoluzionario – ama non ricambiato Maddalena Coigny, nobildonna caduta in disgrazia, il cui cuore è devoto ad Andrea Chénier, poeta romantico e sognatore. Quando quest’ultimo è ingiustamente condannato a morte dal Tribunale del Popolo per tradimento alla Patria, Maddalena, con l’aiuto di Gèrard – redento dall’amore e dagli orrori dell’odio rivoluzionario – si sostituisce ad una prigioniera destinata a uguale sorte, per morire sul patibolo insieme al suo amato.
Affrontare oggi l’Andrea Chénier significa confrontarsi non solo con un capolavoro del repertorio verista, ma con una delle più profonde meditazioni musicali sul rapporto tra l’individuo e la Storia.
In tal senso, l’opera di Giordano è sì il racconto di una passione amorosa travolta dalla Rivoluzione francese, ma è soprattutto una riflessione vertiginosa sul rapporto tra le grandi trasformazioni collettive e i fragili destini personali.
La rivoluzione, con il suo carico di ideali e di sangue, non appare qui come semplice sfondo storico, ma alla stregua di una forza tellurica che investe le coscienze, ridefinisce le identità e costringe ciascun personaggio a misurarsi con la propria verità più profonda.
La rivoluzione che vediamo in scena non è quella dei libri di storia. È quella che attraversa le coscienze e che sconvolge i destini, obbligando gli uomini a scegliere chi essere.
Andrea, Maddalena e Gérard diventano così tre diverse declinazioni dell’anima umana di fronte al cambiamento: Il poeta, l’innamorata, il rivoluzionario; l’idealista, la vittima, il carnefice.
Martone coglie con lucidità questa dimensione psicologica e la restituisce attraverso una regia che evita ogni oleografia storicistica per parlare dritto al cuore degli spettatori.
I protagonisti sembrano muoversi all’interno di una memoria in frantumi, in uno spazio dove il privato e il politico si riflettono incessantemente l’uno nell’altro.
L’amore tra Andrea e Maddalena non rappresenta una fuga dalla Storia, bensì la sua più alta confutazione: mentre il mondo precipita nella violenza ideologica, essi scelgono la fedeltà al sentimento, trasformando la passione in una forma estrema di libertà.
Paradigmatico di questa prospettiva è l’impianto scenico concepito da Margherita Palli.
L’ipnotico gioco di specchi che caratterizza la scenografia del Primo Atto non costituisce un mero artificio visivo, ma il cuore stesso della sua architettura simbolica.
Gli specchi moltiplicano le immagini, deformano le prospettive, restituiscono frammenti di realtà che si rincorrono e si dissolvono.
Sono il riflesso di una società che sta perdendo il proprio centro morale e la metafora di personaggi costretti a confrontarsi con le proprie contraddizioni; sono il segno di una rivoluzione che promette libertà e uguaglianza ma genera nuove ombre e vecchie repressioni.
In quei riflessi si specchiano il potere e la miseria, il privilegio e il riscatto, la vita e la morte.
In quei riflessi ci specchiamo noi.
Tutti e ognuno.
Dal punto di vista musicale, la partitura dell’Andrea Chénier è tra le più suggestive e impegnative del repertorio verista.
Le arie e gli improvvisi che cadenzano l’opera sono inseriti in una trama drammaturgica lineare e senza soluzione di continuità, in cui il dialogo incessante tra orchestra e voci si fonde nel riuscito compromesso tra slancio melodico e tensione drammatica.
In questo contesto, Gianna Fratta offre una direzione di notevole intelligenza musicale.
La sua lettura privilegia il respiro narrativo dell’opera e ne mette in evidenza la straordinaria ricchezza cromatica, accompagnando con discrezione e solidità l’alternanza di timbri e registri.
L’Orchestra della Fondazione del Teatro Petruzzelli, dal canto suo, risponde con precisione e sensibilità timbrica, mentre il Coro si fa corpo e voce delle istanze popolari e delle sue contraddizioni attraverso un connubio sorprendente e riuscito di vocalità e di presenza scenica.
Circa i protagonisti dell’opera, Jeorge de Leon affronta Andrea Chénier con generosità e temperamento, restituendo al contempo la fragilità e l’eroismo del suo personaggio, padrone in fine del proprio Destino, ad onta dei rovesci della Storia e delle miserie umane.
Allo stesso modo, Maria Agresta regala una Maddalena di rara intensità e trasporto. Il suo canto si distingue per eleganza e controllo espressivo, donando al personaggio la sensibilità e la modernità che caratterizzano la sua cifra drammaturgica e musicale.
Gabriele Viviani, infine, costruisce un Gérard di grande profondità psicologica e incisività scenica. La sua voce autorevole e il fraseggio accurato restituiscono tutte le contraddizioni e le intime sfumature di un uomo lacerato dai sentimenti e dalle passioni, alla costante ricerca di un equilibrio agognato e tuttavia irrisolto tra desiderio di giustizia sociale, ambizione personale e amore non corrisposto.
In conclusione, cosa rimane di questo sontuoso allestimento e della trama che così mirabilmente mette in scena, quando l’ultima nota si dissolve nel cielo stellato di Piazza Cavour?
Resta l’idea che nessuna trasformazione collettiva possa avere senso se dimentica la dignità dell’individuo.
Resta la convinzione che il vero riscatto sociale non nasca dall’odio ma dal riconoscimento reciproco.
Resta l’Amore.
Non quello sentimentale e rassicurante delle convenzioni. L’Amore come scelta morale, piuttosto. Come fedeltà all’altro. Come capacità di restare umani proprio quando la Storia sembra voler cancellare ogni umanità.
Per questo l’Andrea Chénier continua a parlarci.
Perché racconta una rivoluzione che nasce nelle piazze ma si compie nei cuori.
Perché ci ricorda che nessuna giustizia può esistere senza compassione.
Perché afferma che il vero riscatto non è la vittoria sul nemico, ma la vittoria sulle proprie paure.
È questo il dono più prezioso che l’opera di Giordano continua a offrirci: la speranza.
La speranza che l’amore, la dignità, il coraggio e il riscatto morale che animano Andrea Chénier possano continuare a essere una fonte d’ispirazione per Foggia e per i foggiani.
Perché ogni comunità, come ogni individuo, ha bisogno di credere che il proprio futuro possa essere migliore del proprio passato.
Ed è forse questa, ancora oggi, la rivoluzione più necessaria.
